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Daniel Duarte Loza: Caracol Coral de los Sueñ–os Libres Arte Política y Memoria

11 July, 2012 in works

Este trabajo final perteneciente al curso “Arte y política en América Latina, experiencias y recorridos en México y en Argentina” dictado por el Profesor Juan Carlos Romero (Argentina) y la Profesora Cristina Híjar González (México) ha sido elaborado a partir de las temáticas desarrolladas, la bibliografía y las obras estudiadas en el curso y está compuesto de dos instancias: una de investigación y otra de producción.
(…)

Los Caracoles constituyen regiones autónomas que dependen en su organización de sus
pueblos y de las Juntas de Buen Gobierno por ellos elegidas e instauradas bajo el liderazgo del
EZLN (Ejército Zapatista de Liberación Nacional) en México. La inclusión de la palabra caracol
aquí tiene, además, su razón de ser por la polisemia que convoca; destacando sensiblemente,
en esta multiplicidad de elecciones viables, una de sus otras posibles acepciones en la que la
relación con el sonido está implícita. La cóclea es una parte constitutiva fundamental del oído
interno y tiene la forma (espiralada) del caparazón (o concha) del caracol.
La palabra coral, aparece referida no sólo por el juego anagramático con la palabra caracol
sino también –y más decididamente– por el abordaje coral de las voces en el mural sonoro
realizado. La denominación de mural responde, en este aspecto, a los principios de esta
particular forma de realización artística que surge de la base de un trabajo colectivo y
participativo (en este caso en particular, se han sumado los aportes de varios compañeros
vinculados al arte en diversas localidades de la Provincia de Buenos Aires a través del registro
grabado de sus propias voces y, también, la voz del subcomandante Marcos). La
denominación coral responde, fundamentalmente, a esta idea colectiva de mural pero,
también, hay que decir que esta suma de voces se da de manera literal en la composición
sonora, con lo que las voces grabadas de manera individual –diciendo varios de los textos
involucrados (Forster, Romero, Híjar, Marcuse y, también, propios)– en su superposición y
convivencia final, conforman un verdadero coro “musical” de intérpretes.
La mención a los Sueños Libres responde a la búsqueda siempre constante y no estancada de
nuevas maneras de imaginar. Entronca con la idea del texto sobre la dimensión estética de
Marcuse (1969) que aparece como corolario del mural sonoro. El arte y los sueños se
anticipan a las soluciones prácticas y políticas. Tal vez, mejor dicho, no se trate sólo de una
anticipación sino más bien de una construcción y un proceso que presentan las bases para
que luego tengan lugar y desemboquen esas soluciones. “Sueños libres” hace mención,
además, al título de una composición de Daniel Duarte Loza, escrita con anterioridad (letra y
música): la letra no aparece explícitamente, pero sí está presente su concepto y parte de su
música ha sido arreglada y grabada, especialmente, por el autor, de manera instrumental para
este mural sonoro.
Finalmente: arte, política y memoria han sido los ejes de esta composición y representan la
base de esta propuesta. Sería deseable, entonces, que este título fuera interpretado y considerado como un nuevo Caracol o región posible (aunque este Caracol no ocupe,
realmente, un territorio físico anclado en el territorio zapatista). Podríamos proponer con
mucha esperanza e ilusión que este Caracol se extendiera como concepto y fuera, entonces,
habitado por todas aquellas obras artísticas, literarias e investigativas que, a su vez, fueran
inspiradas en las ideas reivindicatorias de libertad, democracia y justicia social propuestas por
los zapatistas y que manifestaran, activamente, los lazos existentes entre arte, política y
memoria. Este territorio podría estar ocupado y definido, además, por trabajos realizados
tanto dentro del marco zapatista como del de otros movimientos sociales y políticos del
mundo que adhirieran a esta propuesta y a estos principios. Así empieza a andar y escuchar
este Caracol.

Daniel Duarte Loza
La Plata, Argentina – Julio 2012.

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Francisco Godinez Galay: Choque de culturas

15 November, 2011 in works

El proyecto Choque de culturas plantea un contrapunto sonoro constante. Principalmente, la idea fue mostrar voces de miembros de pueblos originarios de América Latina, con música moderna hecha en Europa. La idea fue instalar en el presente la contradicción entre estos dos mundos, y mostrarla a través de voces actuales con problemáticas reales, y música actual europea, eliminando así la idea de que estos temas existen solo en los libros de historia. La intención fue actualizar el tema, mostrar voces originales con problemáticas reales, y a su vez, valorar su sonoridad.

La pieza fluctúa a su vez entre dos extremos. Por un lado, provocar la emoción y tristeza del oyente, causando su identificación, a partir de la elección de músicas basadas en melodías emotivas circulares –particularmente hechas con piano- como refuerzo a la tristeza de las palabras. Y por otro lado, el provocar la angustia del oyente, implicándolo a partir de músicas experimentales, ruidos, acoples, sonidos estridentes, y la intervención de músicas a las que se les ha cambiado el ritmo y su afinación al punto de causar incomodidad sonora. Además de la estructura circular de las músicas empleadas y la aparición de las voces, hay leitmotivs sonoros recurrentes, como algunas de las frases y músicas, y también algunos sonidos, lo que le da a toda la pieza una imagen sonora circular como de bucle ascendente.

La pieza se trata de una composición sonora de radioarte en la que se intervino a modo de mash up con elementos existentes como diferentes músicas, voces indígenas, efectos especiales y naturales, usando estos elementos para crear una obra nueva y diferente a los elementos que la constituyen. Se intervino las músicas ya sea aplicándole efectos, filtros, ecos, o incluso cortando acordes y partes, haciendo repeticiones e inversiones del orden musical no existentes en los originales. Las voces también tienen distintos tipos de efectos para causar distintos tipos de sensación como la angustia, la soledad, el énfasis, la tristeza, la bronca. Se cruzan voces, y se enciman músicas también. Se utilizaron todas las formas de combinación entre todas las herramientas del lenguaje radiofónico. El radioarte aparece expresado en lo musical, lo abstracto, pero también radioarte concreto a partir de voces y problemáticas reales y específicas. Las voces transcurren sobre temas como tierra y territorio, bienes de la naturaleza y medio ambiente, familia, salud, hambre, cultura, lengua, pobreza.

También hay combinaciones como músicas intervenidas con canciones indígenas reales, grabadas especialmente, modificadas en su ritmo para ajustarse a las músicas. O modificación de músicas para ajustarse a las voces, o cortes en las músicas y su prolongación mediante ecos.

Se pone énfasis también en el valor rítmico de la pieza, en el valor musical de las voces, en su belleza más allá del peso del significado de las palabras vertidas. Por esto, puede verse que se intentó ajustar música y palabras de un modo estético, rítmico, musical. Los ecos, repeticiones, reverberancias, contrapuntos y paneos tienen una intencionalidad en la dinámica de los cambios de ritmo. También se advertirá la presencia de voces hablando idiomas originarios como mapuzgungún, qom y wichi con su valor testimonial, pero también musical y rítmico.

También vale la pena mencionar que se ha dado protagonismo al silencio como un elemento importante del lenguaje radiofónico. Así, los silencios prolongados, prolongan la angustia e incomodidad, o resaltan la frase dicha.

Cabe señalar que se eligieron músicas libres, con licencia creative commons, no solo para poder usarlas y maniobrarlas con permiso de sus compositores, sino a su vez para difundir a estos artistas y como elección política e ideológica respecto de la cultura libre y el copyleft. Se eligieron especialmente músicas de artistas europeos y con este tipo de licencia de uso libre. Se extrajeron de www.jamendo.com/es

Por otro lado, las entrevistas son todas reales, originales y propias. Se escuchan las voces de miembros de los pueblos mapuche, qom, wichi, diaguita, entre otros.

La pieza intentó oscilar entre varios pares contradictorios: el choque de culturas Europa-pueblos originarios de América Latina (a veces se construyen en paralelo y conviven en la pieza, y otras se cruzan y entran en conflicto sonoro); la tristeza y la bronca; la belleza sonora y el ruido; la velocidad y la lentitud; el ruido y el silencio; el agudo y el grave; lo rítmico y lo arrítmico; lo suave y lo violento; la palabra y la música; el disfrute y la incomodidad.

Las músicas utilizadas son:

Stefano Mocini: “Requiem for a time”, “The flowing of the time”, “Requiem parte 3”, “Leaving you”, “Omaggio a Bach”,

Plastic Evolution: “Curio”

Microfoni Aperto: “Esse a doppia esse a erre i”
Secquence Theory Project: “The Missing childen”
Tomasz Kucza: “Moore’s Law”
Celestial Aeon Project: “Taking flight”, “Jetstream”
1KA: “Time suqare”, “Bombay woman car”
Pikol: “Intro 666”
Digital Simply World: “Hypnotyzajzer in search of new music”

Centro de Producciones Radiofónicas
www.cpr.org.ar